Richard Estes, la ciudad reflejada

1967, Richard Estes, Telephone Booths, Acrílico, 122x175, Thyssen, Madrid

COPYRIGHT © Richard Estes1967. Procedencia: Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza

No pensaba dedicar una entrada a Richard Estes hasta bastante más adelante, pero el bestial contraste con la pintura de Papetti puede ser divertido, y me he animado a colocarlo a continuación del artículo dedicado a aquel, aunque el blog repita disciplina artística. Además, este artículo lo voy a dedicar a los alardes técnicos desplegados por Estes al pintar los infinitos reflejos de la ciudad en escaparates, vehículos o metales, y que constituyen una de las señas de identidad de Richard Estes. Muchos de las imágenes que cuelgo circulan libremente por la red, y otras aparecen en un dosier en pdf que el Ministerio de Cultura español cuelga en esta web;

http://www.redescultura.es/principal/docs/novedades/Mas_imagenes_ESTES.pdf .

En esta página, se puede descargar el pdf con numerosos cuadros, a muy buena resolución, incluidos en la exposición que en 2007 se celebró en el Museo Thyssen de Madrid sobre Richard Estes.

 1967 Richard Estes, Bus with reflections of the Flatiron building, óleo sobre tabla, 91x121

Richard Estes (Kewanee, Illinois, 1932), está considerado uno de los fundadores del fotorrealismo a finales de los sesenta, aunque a él no le hace mucha gracia esta calificación, y también como uno de los pintores que mejor han captado en sus cuadros la ciudad de Nueva York. Manhattan se convirtió en su tema preferido y con el tiempo otras ciudades del mundo también pasaron a ser objeto de sus obras: Barcelona, Córdoba, París, Venecia, Chicago y San Francisco son otras ciudades cuyos paisajes inspiraron a Estes.

1971 Richard Estes, People's Flowers, óleo sobre lienzo, 153x101

COPYRIGHT © Richard Estes1967. Procedencia: Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza.

El fotorrealismo se caracterizó por captar la realidad tomando como modelo la imagen fotográfica y por aspirar a una nitidez absoluta, de mayor precisión que la del ojo humano. Sin embargo -de ahí la incomodidad del artista por ser incluido en esa corriente pictórica- Estes se basa en la fotografía paras sus composiciones, pero no la utiliza para imitar la realidad servilmente, sino que sus obras son fruto de un complejo proceso creativo en el que la fotografía es sólo un instrumento más, en el y que se incluye también el dibujo. Una atenta mirada sobre sus obras, descubre que las vistas panorámicas no pueden ser captadas por una sola foto. De hecho, su método de trabajo incluye la toma de varias vistas del lugar escogido, para posteriormente jugar con ellas hasta llegar a la imagen definitiva, que convierte en una suerte de ilusión óptica.

1972, Richard Estes, gouache sobre tabla, 43,2x63,5

Por otra parte, esa ilusión óptica que propone Richard Estes se caracteriza por el énfasis en los reflejos que él intensifica. “Por efecto de la naturaleza de la luz, el cuadro se convierte en un juego de espejos y de refracciones visuales, de prismas que quebrantan, superponen y dispersan las imágenes ... Hay aquí un gusto por el aturdimiento, por la multiplicación de perspectivas,... que intriga al artista y que le permite mostrar, a través de de tan impresionante reproducción de imágenes, hasta qué punto la pintura, con sus artificios, con sus engaños, puede dar vida a obras que la mirada no se cansa de escudriñar e indagar... una multiplicación de superficies y de fragmentos reflejados, cuando realidad e ilusión se contaminan, se hibridan hasta confundirse, hasta aturdirnos, como si hubiéramos perdido la brújula de lo que puede verse efectívamente y de lo que es invención artística, de lo que está ante nosotros o detrás de nosotros, dentro o fuera de un ambiente,... Estes no pretende, desde luego, encerrarnos en un laberinto sin salida, sino que nos reta para que captemos plenamentelas infinitas posibilidades del ver”. Sandro Parmiggiani, Catálogo de la exposición sobre Richard Estes realizada en 2007 en el Museo Thyssen Bornemisza de Madrid.

1975, Richard Estes, Café Express, óleo sobre lienzo, 61x91

A lo largo de una amplísima entrevista con John Arthur en 1978 –y que recoge el citado catálogo- este le pide a Richard Estes que desmenuce su método de trabajo; “Normalmente disparo [miles de fotos] al azar. Pero si encuentro algo que es particularmente interesante en los contactos [fotográficos], suelo regresar [incluso después de cinco años de la toma fotográfica] y vuelvo a fotografiarlo....”.

1975, Richard Estes, Central Savings

Respecto al cuadro Downtown –no consigo identificarlo- que está pintando en ese momento “he tirado unos seis carretes de 120 mm, con doce exposiciones cada uno, más tres de 4x5 [con trípode}....en Nueva York estoy un tanto limitado a los domingos. Hay demasiado tráfico entre semana... Espero a un buen domingo, a que sea un día realmente bonito, con sol y algunas nubes ligeras. Cojo los bártulos y me voy a hacer fotografías [que él mismo revela], porque a lo mejor no hay otro domingo igual en meses....”

1979 Richard Estes, Big Diamonds

“Uso de todo, acrílico, gouache, temple al huevo y óleo, uso todo lo que tengo a mano...” Arthur John describe “una barra de madera clavada en la parte superior e inferior del lienzo, que sobresale de los bordes, y hay otros mecanismos que utiliza para las perspectivas lineales, no? Sí, el cuadrado en T,... Cuando trabajo con óleo, necesito algo done apoyar la mano, pues la pintura está húmeda. Necesito un soporte firme para la mano que esté separado un poco más de medio centímetro del lienzo. Es como un cuadrado en T, y si hago líneas paralelas, todas son paralelas”. (ver la foto de al lado)

1979, Richard Estes, Ginger Man

Prepara sus propios lienzos con Gesso Liquitex.... Arthur describe que –en el cuadro que tiene en marcha, el Downtown, “el dibujo básico está esbozado con acrílico diluido –de color pardo-, es bastante suelto, tan solo están representados los contornos generales. A partir de ahí ha esbozado algunas luces y sombras, pero de forma muy general”. “Me resulta más fácil hacer primero todos los efectos, las áreas grandes, y después ir trabajando zonas cada vez más pequeñas. De esta forma siempre controlo el cuadro. No puedo terminar cada cosa individualmente, tiene que concluir todo al mismo tiempo...”

 

2003, Richard Estes, Broad Street NYC, óleo sobre tabla, 55x51

Trato de ir con el acrílico lo más lejos posible, pero en un punto dado, es más fácil continuar con óleo, que da mucha más profundidad y posee un espectro más amplio de tonos... da mucha más profundidad y más control de las gradaciones de color, al mezclar, por ejemplo. Tiene un aspecto más rico que el acrílico. Es más fácil trabajar con acrílico, está bien como primera capa y se seca rápidamente, así que es mucho más fácil hacer grandes correcciones. Con óleo, hay que saber muy bien lo que se va a hacer, por las diferentes características y de tiempo de secado de los colores. Entre acrílico y óleo no aplica ningún barniz de separación.

Richard Estes, Times Square, óleo sobre lienzo, 94x162

“Puedo hacer las primeras capas muy rápido, en una semana, y después tirarme dos mese con el acabado al óleo. Sin embargo el cuadro parece acabado tras una semana, Tan solo lo pudo, le saco calidades.” Por mi parte solo tengo que añadir, a la vista de esta exposición personal y meridiana de su técnica de trabajo, que las anotaciones bajo las pinturas que he ido añadiendo, tomadas de las diferentes webs y catálogos –óleo, gouache o acrílico- habrá que ponerlas en cuarentena, pues él mismo afirma que mezcla todo lo “tiene a mano”.

2005 Richard Estes, Bus Turístico del World Trade Center, óleo sobre tabla, 40x30 cm

2005, Richard Estes, La 43 y Broadway, óleo sobre lienzo, 94x168 cm

2005, Richard Estes, Central Savings, Tkts Line, óleo sobre lienzo, 96x155 cm

2005, Richard Estes, Times Square, óleo sobre panel, 87x59

2009 Richard Estes, The L Train

0 Richard Estes, Bridge. No he podido resistirme a la tentación de publicar este cuadro, pues no participa del resto en cuanto a los característicos reflejos. Pero es que el alarde técnico es espectacular.

Banlieue13, la ciudad es el mejor de los escenarios

Antes que nada, he de decir que no he visto Banlieue 13, solo un par de secuencias de la película que casualmente, como tantas otras cosas, descubrí buceando por Internet. Por lo tanto no la puedo recomendar, pero la secuencia que cuelgo utiliza magistralmente la ciudad y sus elementos como el soporte sobre el que organizar las acrobáticas y espectaculares coreografías que según la crítica caracterizan la película y la dotan de de su especial personalidad.

 Aunque la foto corresponde a la secuela "Ultimatum", ilustra perfectamente la espectacularidad de la película.
Copyright © Magnet Releasing  

En esta dirección la misma secuencia con mayor calidad;  http://www.spike.com/video/parkour-sequence/2687054

Banlieue 13 es una película francesa de acción, dirigida en 2004 por el novato en largometrajes Pierre Morel con guión y producción de Luc Besson. Los actores principales de la película son Cyril Raffaelli y David Belle, magníficos superatletas expertos en artes marciales. Cyril fue en 1997 campeón del Mundo en Argentina de IKFF en Combate Combinado, y posteriormente campeón de Francia de kung-fu. David Belle fue el iniciador del grupo de los Yamakasi e inventor del concepto de Parcour, disciplina deportiva que toma la ciudad como escenario de sus acciones. Así pues, el primer reto que planteaba la película, que era lograr la credibilidad en las secuencias de acción, quedó resuelto en gran medida con la elección de Cyril y David para los papeles principales, Leïto y Damien, el policía incorruptible.

Conviene concretar el significado de ‘Banlieue’. Significa suburbio, cualquier barrio periférico, ya sea una zona deprimida o un barrio residencial de clase media o alta. Las connotaciones negativas como barrios marginales, habitados principalmente por inmigrantes, con problemas de delincuencia, le viene de los violentos acontecimientos de 2005 y posteriores. Por esas fechas, la crónica de El Pais relataba; “Si en lo que va de año han ardido casi 30.000 vehículos, el 95% de estas destrucciones se ha producido en la maldita banlieue, una palabra cuyo origen es significativo: en el siglo XVII el soberano expulsaba -verbo bannir- a la periferia de un lugar (lieu) a los súbditos que estimaba peligrosos. Ahora el sistema les expulsa porque son negros, porque son musulmanes o, simplemente, porque son pobres. Un magnífico artículo de Catalina Serra en El Pais, “Escenarios urbanos de violencia”, el 4 de enero de 2006, relaciona parte de los graves conflictos sociales de las banlieue con su desgraciada arquitectura y su incívico urbanismo. Ver

http://www.elpais.com/articulo/cultura/Escenarios/urbanos/violencia/elpepicul/20060104elpepicul_2/Tes

La acción se sitúa en un hipotético –ya sobrepasado- París del año 2010, en aquellos suburbios marginales de los que hablaba antes, habitados por “escoria” -según los definió el sagaz Sarkozy-, rodeados y aislados por poderosos muros y abandonados a su desgobierno. Es decir, la rebelión de los suburbios marginales se ha solucionado hipotéticamente encerrando a sus habitantes en un despiadado gueto que, visto de lo que es capaz monsieur Sarkozy con la inmigración gitana, tampoco es tan descabellado que se le ocurra en un futuro. Luc Besson debería tener más ciudado y no ir por ahí dando malas ideas. 

En la web http://www.lahiguera.net/cinemania/pelicula/1739/comentario.php se describe con detalle todo el proceso de puesta en marcha de Banlieue 13. De ahí es el texto que sigue; “Tras decenas de horas de repeticiones encarnizadas, hasta el límite de sus posibilidades, David y Cyril se convirtieron finalmente en Leïto y Damien. Parte de los exteriores se realizaron en las grisáceas ciudades dormitorio de Rumania: allá es más fácil obtener la autorización para hacer acrobacias por las torres de cemento armado. A medida que el rodaje evolucionaba, las acrobacias eran cada vez más osadas. Y no se trataba de acróbatas, sino de actores efectuando sus propias piruetas, ¡algo jamás visto en Francia desde los años dorados de Jean-Paul Belmondo! Con el fin de captar acciones sumamente rápidas, Pierre Morel rodó la mayor parte de estas escenas acrobáticas y coreográficas con una cámara especial de alta velocidad a 150 fotogramas por segundo en lugar de las habituales 24 imágenes por segundo, lo que permite "mostrar de manera un poco más detallada. Así se observa lo que realmente está ocurriendo. Y eso aunque finalmente se opte por ralentizar muy poco material en el montaje". "Hemos tratado de realizar una película usando la menor tecnología posible. Es una película bastante poco refinada, simple, a la antigua: hecha con las manos". explica Pierre Morel. Es una cinta sin efectos especiales, y por tanto, con un presupuesto razonable.

Heavy Rain, la ciudad alimenta la angustia

Gran parte del texto que acompaña a las imágenes del juego, está basado en la entrevista que Kevin Ohannessian mantuvo con el creador del juego Heavy Rain, David Cage, el 23 de febrero de 2010. La traducción la he hecho yo –que no sé inglés- con la inestimable ayuda de Im Translator el utilísimo plugin de Google, y un poco de sentido común, así que es una versión muy libre y puede que hasta peculiar, pero creo que el resultado es bastante coherente con el contenido original. El juego lo desarrolló Quantic Dream exclusivamente para PlayStation 3 en 2010. La entrevista, por su interés y seriedad en los planteamientos iniciales del juego, parece la de un director de cine consagrado por la crítica, que además muestra un enorme interés por los aspectos sociales de la población más humilde de los EEUU.

Alguien ha definido Heavy Rain como un “drama interactivo” más cercano a una película con la que se pudiera interactuar que con un videojuego. Ese permanente tono emocional que despide el juego, es potenciado por un entorno –una ciudad anónima pero absolutamente convincente- desarrollado gráficamente con detalle hiperrealista. Del mismo modo, desde un primer momento los creadores decidieron que los personajes tuvieran  también caracteres creíbles, al tiempo que actuaban en situaciones vitales reales, sin los consabidos elementos fantásticos propios de los superhéroes. Con esa envoltura naturalista había que escribir además la mejor historia posible para que fuera capaz de provocar emociones muy complejas y sutiles también en el jugador.

Buscaron crear un viaje emocional donde el jugador se sintiera atrapado real y emocionalmente en la experiencia ofrecida por el juego. Se propusieron provocar emociones más complejas que las ofrecidas por los juegos habituales. En ellos se encuentra el miedo, la tensión, el poder, o la frustración, pero en Heavy Rain se quiso explorar otros tipos muy diferentes de emociones y la historia propuesta por el videojuego era el modo perfecto de acogerlos.

El entorno en el que se desarrolla la historia es una ciudad desconocida, anónima, pues así lo decidió su creador David Cage con objeto de que el jugador participe de la angustia derivada de moverse por un lugar desconocido en búsqueda de lo desconocido. “Al no suceder la historia en un lugar específico ayuda a hacerla más universal, y también a reflejar el estado de ánimo de cada uno de los protagonistas; todos están perdidos de una manera u otra. Soy un gran aficionado de las películas de Shyamalan... Estaba concentrado en escribir la historia y no tenía ninguna idea específica en cuanto al escenario. Quería un lugar que dijera algo. No quería sólo una tarjeta postal, ya fuera Nueva York o Miami. Entonces tomamos un avión a Filadelfia, contraté al localizador de exteriores que trabajó en la película “Filadelfia”. Y le preguntamos, "podría usted mostrarnos algunas casas humildes habitadas por gente pobre?" Se quedó sorprendido por la petición. La inspiración me surgió viendo “Bowling for Columbine”, la película de Michael Moore. El fondo social que mostró en esta película tuvo un gran impacto en mí, que soy europeo. Conozco los Estados Unidos bastante bien, pero siempre moviéndome entre Los Ángeles y Nueva York. Nunca vi lo que Moore mostró en su película. Pensé que decía algo muy interesante sobre los Estados Unidos - no el lado de Hollywood donde todo el mundo está muy bronceado y tiene músculos grandes y atractivos–, sobre como la gente vive realmente.

“Lo que descubrimos en Filadelfia estaba más allá de lo que podíamos imaginar. Vimos la desesperación. Vimos la violencia. Vimos el miedo. Vimos la pobreza, en tal magnitud que nadie en Europa podría imaginar que ocurra en los Estados Unidos. Y vimos todas esas fábricas enormes cerca de las casas de la gente, esas chimeneas grandes de humo negro...

Concept art basados en la experiencia directa tras el viaje a Filadelfia

Esto lo vimos en Filadelfia. Y encontramos a la gente pobre. Amablemente nos dejaron entrar en sus casas y tomar fotografías. No queríamos imaginar sus casas..., quisimos tomar fotografías... Recuerdo concretamente que fuimos a ver una familia con la que el localizador de exteriores nos había citado un mes antes. Pero cuando llegamos, su hija de diez años había muerto el día anterior en un accidente. La familia lloraba en la cocina e inmediatamente dijimos, "nos vamos. Lo sentimos" Y nos dijeron, "No. Usted vino de Francia para tomar fotos de la casa, por favor entre." No quisimos decir no, no podíamos decir no. Y fotografiamos su casa mientras lloraban a su hija. Esto es algo que se quedó en mi cabeza..., ese momento de intensa tristeza, y depresión, y muerte. Espero que un poco de esto esté en la historia final”.

Respecto a la lluvia;  “ Me gusta esta clase de elemento, porque crea una atmósfera muy fuerte rápidamente y muy verosímil. Con la lluvia en las calles, todo es brillante, los personajes se mojan, las gotas recorren sus rostros. Provoca efectos de todo tipo; de luz, en las texturas, en el movimiento de la gente... Pero sobre todo, disfruté realmente del hecho de que la lluvia era algo que cada uno puede sentir, que nadie puede parar, y sobre la que nadie tiene control alguno... Cualquier personaje, en cualquier momento del juego, puede asomarse a la ventana y ver que llueve. Los jugadores saben que la cuenta atrás sigue, y que tiene menos tiempo para salvar Shaun, entre otras cosas  debido a la lluvia. Pensé que era una situación muy interesante. También quisimos tratarlo como un personaje más con humores diferentes. La lluvia puede ser muy tranquila y muy relajante, o puede ser muy violenta y muy densa”.

  

David Cage, su creador, mantuvo una posición contraria a la opinión general de que los aficionados a los videojuegos no estan interesados en juegos con muchos personajes y diferentes caracteres; que se prefiere jugar al héroe solitario, y por tanto no sentirían empatía por varios de ellos simultáneamente; “pensé que estaban equivocados. Cuando usted ve una película puede sentir empatía por cualquiera de los personajes de la pantalla, ya sea el héroe, o la novia del héroe, o el mejor amigo, o quienquiera que sea. Las series de TV han crecido durante estos últimos años y han hecho perfecto uso de guiones con varios personajes al mismo tiempo... Esto demuestra que el público puede simpatizar con muchos carácteres al mismo tiempo y no sólo con uno. Con Heavy Rain, la idea era seguir explorando en esta dirección. Quise tener cuatro historias plenas que se entrelazasen, que pudieran chocar en algún momento, y que sus caminos pudieran cruzarse”.

“Disfruto con la idea de que no hay una historia definitiva. Hay partes de la historia con finales muy pesimistas, porque esta es mi visión de la historia. Pero al mismo tiempo, estoy realmente contento porque hay una posibilidad de que Ethan salve a su hijo y sea feliz, y tenga una nueva vida, tal vez con Madison, según como usted juege. Me gusta la idea de que Shelby pueda ser asesinado por Ethan o que él pueda ser asesinado por la Lauren. Me gusta el hecho de que haya muchas posibilidades, porque pienso que así es la vida. Nadie sabe lo que puede pasarme basadose en las decisiones diferentes que tome, y nadie estará capacitado alguna vez para decirme lo que habría pasado si me hubiera comportado de un modo diferente. Y pienso que en este sentido, Heavy Rain está muy cerca de la verdadera vida, mucho más que una película donde sólo hay una posibilidad. En Heavy Rain tienes realmente la opción, y lo que le pase depende de tí”.

"Yo siempre pensé que Heavy Rain sería importante para laindustria del videojuego de una u otra forma. Si el juego se vende bien, enviará un mensaje de que hay un mercado para experiencias adultas basadas en emociones; que es posible hacer juegos que no están basados en disparos, en la conducción, en saltos, solucionando rompecabezas, y demás... Estoy convencido de que hay más por hacer con la interactividad que lo que actualmente hacemos, y que los juegos de vídeo podrían ser un arte, más que un juguete. Esta es mi gran esperanza..."

Como en toda producción de este tipo, se ha hablado de lo costoso que ha sido el desarrollo (4 años), la suma de dinero invertida, las 2.000 páginas de guión, 30.000 animaciones y las diferentes situaciones y emociones que podemos vivir en Heavy Rain dependiendo de lo que elijamos en el transcurso del juego. En el artículo que dediqué a Assassin´s Creed me extendí relatando el enorme esfuerzo de todo tipo, no solo económico, que supone el lanzamiento de un videojuego serio, de los buenos, por eso con Heavy Rain no insistiré en ello.


En las siguientes webs encontraréis mucha más información que la que yo os doy, pues ya sabéis que el interés de este blog reside en la ciudad y sus formas de representación y tratamiento gráfico.

http://www.3djuegos.com/foros/tema/1794644/0/post-heavy-rain/ magnífico análisis

En esta web tenéis todas las imágenes que podáis imaginar, y de buena

 calidad; http://www.hardgame2.com/ps3/ficha.html/126/images/&page=3

y en esta otra  http://forum.cfsl.net/viewtopic.php?f=80&t=60255

todos los concept art en una resolución magnífica

http://www.morgan-yon.com/heavy_rain.html

desarrollo visual y concept art del creador Morgan Yon, para Quantic- Heavy Rain